Edgar Cruz. Exposición: "Premios Julio Volante a la Excelencia Académica", Quinta Edición. Arquitectura, UCAB. Caracas, junio 2026.

 

                                                                

     

   "La Arquitectura es el  juego maestro, correcto y magnífico de los                                                       volúmenes reunidos bajo la luz".  Le Corbusier    

                                                                            

En los magníficos espacios interiores del Centro Cultural UCAB, diseñado por los arquitectos Francisco Pimentel Malaussena y Oscar Capiello, se realiza, en la sala Experimental, una estupenda exposcion. Se trata de la Quinta Edición, de los "Premios Julio Volante a la Excelencia Académica"; conformada por los trabajos más destacados realizados en los talleres de diseñe. Pasamos una mañana de intenso recorrido y conocimiento de los proyectos, estos responden por duplas, a la siguiente estructura conceptual: semestres 1 y 2: Abstracción, Composición; semestres 3 y 4: Lugar y Programa Espacial; semestres 5 y 6: Estructura y Materia; semestres 7 y 8: Arquitectura Urbana y Tecnología y Semestres 9 y 10: Investigación Proyectos. Los trabajos expuestos, en general, se alejan de las concepciones escenograficas mercantilistas y en su lugar, se basan en formas geométricas, con el espacio como protagonista.; los proyectos muestran claras respuestas a las determinantes del lugar, del clima, topografía, ciudad, historia, aspectos sociales y culturales; más el conocimiento del comportamiento de las estructuras, materiales de construcción y de las nuevas tecnologías digitales.

                                                      

Felicitaciones a los docentes de Proyectos y demás autoridades de esta excelente universidad por los logros alcanzados. Acompañado en la visita a la UCAB, por mi colega Maria Teresa Novoa de Padrón, de la FAU y del Centro de Investigaciones Postdoctorales, CIPOST de la UCV, conversamos entre otros con el distinguido profesor de Arquitectura Aberto Navarro.

Para cerrar nuestro recorrido por el campus UCAB, almorzamos platos mexicanos en un

bello lugar de la Feria, desde donde se contemplan las montañas que rodean este lugar paradisíaco de la UCAB, Caracas.

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                                                                            Arquitectos: Alberto Navarro, Maria Teresa Novoa y                                                                                    Edgar Cruz,  de visita en la exposición

                                                       

Edgar Cruz: Reflexión sobre mi visita al Pabellón de Barcelona, 1986

El Pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona, 1929, es uno de los edificios de mayor interés de la primera mitad del siglo XX. En él, Mies van der Rohe y Lilly Reich, muy adelantados a su época, son los creadores del mobiliario y de este extraordinario monumento de la arquitectura moderna. 

Mies, dos años después de haber sido curador de la Exposición Weissenhoffsiedlung, Stuttgart, 1927 y desde la dirección del Deutsche Werkbund, crea esta obra. El edificio expresa la nueva concepción minimalista, su idea de arquitectura eclosiona en la forma a partir del empleo de la estructura de acero, malla modular en planta, ventanales acristalados, paneles de mármol verde y ónix, aligeramiento del techo y  de la concepción del "espacio universal"; percibido este por el transeúnte en su recorrido por el edificio, anulando así con la transparencia de las vidrieras las barreras existentes entre el espacio interior y el espacio exterior del pabellón. 

El edificio  fue ideado sin función alguna y su categoría estética predominante es la del significado: de una Alemania adscrita a la modernidad. Fue tal su impacto social al ser seleccionado  por los  Reyes de España, Alfonso XIII y Victoria Eugenia de Battemberg para la inauguración de la Exposicion Universal de Barcelona, 

El edificio fue demolido en 1930, y su reconstrucción se realiza en el año de 1986, por los distinguidos arquitectos Ignasi de Sola-Morales i Rubio, Fernando Ramos y  Cristian Cirici. 

Las fotografías que acompañan este escrito son testimonio  de mi inolvidable visita a ese paradigma de la arquitectura moderna, realizada tan solo un par de meses después de ser de  reconstruido el pabellón. Aun queda en mi mente la presencia de  sus magníficos y lujosos espacios universales;  plasmados en estas imágenes fotográficas realizadas por mi gran amigo, el profesor, historiador y geografo español Fernando Morales Espino, originario de Mérida, antigua ciudad romana de Emérita Augusta, en Extremadura. 

Conocí al profesor Ignasi de Sola Morales, catedrático y autor de textos críticos de la arquitectura, cuando asistí a su curso: "Clasicismo y Romanticismo", que junto a el fue impartido también por Josep Quetglas, Félix de Azua, Eugenio Trías, Arnau Puig i Grau, entre otros. Pero junto al clasicismo, mi interés por las formas nuevas de la arquitectura y el arte estudié en las clases sobre Teoría y Critica de Proyectos de Arquitectura y de las Vanguardias Artísticas del Siglo XX, impartidas magistralmente por el profesor arquitecto Helio Piñón, en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, Universidad Politécnica de Cataluña, a las cuales asistí desde 1983 a 1986. 

Puedo afirmar que la idea del "Zeitgeist", o espíritu de la época, presente en esta obra de Mies van der Rohe, se mantiene aun como norte a seguir en la ETSAB, UPC,  de Barcelona.

                                                                Edgar Cruz en el Pabellón de Barcelona, 1986

                 Estatua la bailarina de George Kolbe

 Pabellón  de Barcelona, de Mies van der Rohe y Lilly Reich

Félix Hernández: "Por un modelo para el desarrollo actual de los salones de arte en Venezuela", 1 de mayo 2026

                                                                                                                                                                      

                                                                                                                              

                                                 “El arte contemporáneo es la red institucionalizada a través de la

                                                  cual el arte de hoy se presenta ante sí y ante los distintos

 públicos del mundo.”

 Terry Smith

                                      

                                                                    

                                                 “Si el arte ha llegado a ser una mercancía más dentro del 

                                                    mercado global, si la preocupación fundamental de los artistas es la 

                                                   promoción de sus propias carreras y si el éxito de tal o cual 

                                                   exhibición se mide por la cantidad de publicidad que genera

                                                  ¿qué nos dice esto acerca del papel reservado para las artes 

                                                  visuales en nuestra cultura?” 

                                                                                  Peter Timms

 

 En términos históricos, los salones de arte funcionan como complejos engranajes institucionales que responden a la ecuación: mercadeo, productividad y consumo debido, entre otros aspectos, al hecho de que ellos permiten definir jerarquías, presentar el arte, inventariar su estado actual y comprender qué hace del arte arte. Comúnmente establecidos como espacios de exhibición, confrontación, encuentro, promoción y debate artístico ofrecen, por lo general, un panorama del quehacer plástico-visual, una forma de palpar el estado de la cuestión creativa y un modo de legitimación de sus nuevos logros, apoyado por el juicio crítico y por la aceptación del público interesado. Además, ellos fomentan el acervo patrimonial y abren la posibilidad a ciertas obras de formar parte de una colección prestigiosa. Por ello, lo seleccionado y premiado tiene un impacto significativo en la trayectoria de los artistas, puesto que redunda en notoriedad, reconocimiento, distinción y prestigio profesional. También, el estímulo económico de los premios que consagran, tiene sus consecuencias al afectar positivamente en el ecosistema artístico (instituciones y agentes del medio), promueve la profesionalización de los creadores, los visibiliza en los medios y redes y hasta en la historia misma de las artes plásticas de la nación; todo lo cual coadyuva como plataforma para la proyección internacional. Un salón nacional es entonces, por ende, un espacio oficial, monumentalista y sacralizador; características estas que en su evolución narra acerca de una tradición e historia que se viene construyendo sobre estos eventos y su repercusión en la definición del concepto de arte, de la obra de arte y la condición social de los artistas. En este sentido, el I Salón de Arte Elsa Morales es un espacio de confrontación que apenas acaba de nacer y por ello debe, como institución si se quiere, legitimarse a sí mismo, constituirse, por así decirlo, en un referente. De manera que probar, entre otros aspectos, que es capaz de asumirse como termómetro del acontecer plástico nacional y de ubicarse a la altura del Salón Nacional de Artes Plásticas que operó con interrupción en Venezuela desde 1940 hasta 1969, considerándosele entre los más importantes espacios de consagración en el siglo XX, obliga a sus organizadores a retomar este ejemplo pero, sobre todo, a revisar la historia de los salones de arte en Venezuela y propiciar así su evolución en aras del juicio crítico. En función de lo expresado, las ideas presentadas aquí pueden apoyar a los creadores de este joven salón y a la institución que lo rige, para encarar el necesario rigor, la sistematicidad y la búsqueda de excelencia que esperan todos los miembros del “mundo del arte”. Para empezar, es importante aclarar que el tareísmo, la voluntad de hacer y la contingente operatividad institucional no deben constituirse en el fundamento o motivo que hace necesario o factible la realización de los salones de arte. Del mismo modo, es insuficiente que ellos respondan a momentos políticos, modas o cambios en el circuito de mercadeo, producción, distribución y consumo del arte nacional. Tampoco deben ser vistos como un hecho coyuntural que permita sacudir la escena artística. Es evidente en este sentido que, la revisión de lo hecho en la materia en otros tiempos, nos pone en alerta acerca de las críticas históricas de que han sido objeto el dispositivo salón y de sus crisis e indefiniciones cíclicas . En este sentido, el vacío que deja el voluntarismo pragmático-político-ideológico a la hora de asumir el compromiso para impulsar este tipo de eventos no es solo teórico-práctico, sino también epistemológico. Y ello debido a que, se debe entender al arte como un conocimiento que posee sus propias reglas, las cuales se construyen cada vez que el artista se enfrenta con el hecho creativo y con su público para traer al mundo una realidad concreta nueva, con la idea de transmitir una razón de ser, una verdad del arte; un hecho que solo se hace inteligible cuando se participa activamente en el mundo del arte, en sus cuestionamientos, tensiones y problemas. Lo anterior quiere decir que, la responsabilidad de la gestión y gerencia de este tipo de eventos, el juicio crítico de seleccionadores y jurados no es algo deseable sino necesario. Tener un conocimiento previo de la evolución de la noción de arte, de su situación en medio del llamado mundo del arte, de las instituciones y agentes que lo condicionan o rigen y de la relación del arte con la sociedad forma parte de ese conocimiento previo que define el tipo de participación en un campo en disputa y pleno de conflictos y contradicciones. De manera que, siendo el “mundo del arte” una sociedad en sí misma, cuando se trata del arte contemporáneo se debe considerar la presencia de un campo expandido y en disputa, en el que los opinadores diletantes sobran, debido a que no participan activa y conscientemente en él. El sistema institucional del arte o “mundo del arte” es una estructura compleja, abigarrada, plural, diversa y polivalente en donde participan instituciones, agentes y dispositivos de mediación, los cuales no escapan a la ecuación mercadeo, productividad y consumo . Los salones de arte son parte de ese universo y tienen una larga tradición llena de conflictos y contradicciones tales que se presentan como espacios propicios para las pugnas y controversias. En todo caso, es justamente por esa longevidad de más de trescientos años que tiene la historia mundial de los salones de arte que se hace necesario la revisión conceptual y la resemantización constante de sus objetivos y metas, ya que ellos constituyen un factor clave en la jerarquización, validación, legitimación, en la reformulación del sentido estético, en la gestión del prestigio; de tal manera que, al participar en la gerencia y el control del capital simbólico, sus protagonistas toman decisiones que impactan en lo que está permitido o no en el mundo del arte, lo que es o no una obra de arte. El rigor institucional y la posibilidad cierta de continuidad del dispositivo salón en el tiempo no es algo que se decrete, depende de las decisiones que se tomen para demostrar que el salón será un espacio capaz de confrontar no solo técnicas, lenguajes y discursos sino, sobre todo, ideas y conceptos. Lo anterior implica la capacidad de asumir y preocuparse por la contemporaneidad socio-cultural nacional, sus grandes problemas y cuestionamientos, reflexionar sobre la noción de arte mismo en el presente, la relación que mantiene con el contexto, sus límites, interrogarse sobre la propia práctica del arte, para así captar “la atmósfera cultural de nuestro tiempo”. Todos estos aspectos son de suma importancia ya que es lo que podría identificar, en el futuro, al Salón Nacional Elsa Morales con el arte contemporáneo, un aspecto de suma importancia para no pasar por un algo anacrónico y caprichoso. El arte contemporáneo puede ser visto como un conjunto de procedimientos donde se habilitan multitud de formas y materiales considerados antes extra-artísticos, portador de conductas y comportamientos que desdibujan límites en el arte, de propuestas críticas ante el propio presente del arte, de estéticas cuestionadoras del papel hegemónico de las instituciones que lo tutelan; aspectos que lo diferencian de lo meramente decorativo, lo artesanalmente correcto e inclusive de la noción de belleza formal y tradicional; un arte contemporáneo entendido como momento de producción de sentido, metáfora epistemológica, como una forma de interrogarse a sí mismo y de proponer un diálogo con el público del arte, para así definir su subsistencia. En este sentido, es importante entender que si el público no comprende lo exhibido en los salones, su puesta en escena, la validación o legitimación planteada por el dispositivo pierde claridad, se vuelve ininteligible, impidiéndole a ese público discernir qué hace arte a lo que está viendo. Entonces, el planteamiento conceptual de un salón no debe estar enfocado únicamente en inventariar lo que se hace en un país en materia artística, tampoco es suficiente contentarse con presentar una idea genérica del estado del arte actual, su definición y destino social. El salón debería verse como una oportunidad para identificar ciertos temas culturales recurrentes, problematizar ciertas líneas de sentido, detectar unos focos críticos que permitan ordenar la multiplicidad y variedad en la producción de lenguajes y discursos estéticos actuales en el contexto de una sociedad que reclaman la reconstrucción de su razón de ser. Y es en este escenario donde entra la importante necesidad de atender la idoneidad de los jurados, como asunto medular para lograr la credibilidad sobre un evento que se pretende termómetro de lo mejor y más logrado de la creación artística actual. En este sentido, el salón debe percibirse como espacio reflexivo y creativo para constituirse en referencia contundente dentro del medio artístico, siempre y cuando se erija a sí mismo como una tesis acerca del estado y significado del arte en el momento actual, de su necesidad y función social, de su vínculo con el entorno, para preguntarse, en última instancia, qué es lo que hace del arte arte. Se debe tomar en cuenta, entonces, que la selección y premiación hecha por los jurados puede llegar a influir en la consideración futura acerca de las tendencias, lenguajes o discursos artísticos dominantes, como modelos válidos dentro de la pluralidad articulada de lo realizado y exhibido. Por lo señalado, se debe destacar un esfuerzo y un debate en torno a la cualidad y calidad de los juicios de validación emitidos por esos jurados para, entonces, propiciar otras lógicas de sentido en los mismos procesos de selección y premiación a posteriori. Entender que lo que se está pretendiendo legitimar, validar o distinguir debería traducirse en algo más que un simple capricho formal, técnico, estético o de gusto personal. Si esto fuera tomado en cuenta se haría factible construir explicaciones acerca de aquellas ideas y tesis que, partiendo de criterios de todo tipo, no dejen por fuera las señas de identidad y las lógicas de sentido de grupos de obras factibles de ser clasificadas o agrupadas en sistemas, para poder construir, así, discursos acerca de su historicidad. De manera que, el rigor y la claridad en la toma de decisiones a la hora de seleccionar y premiar pueden verse como una oportunidad para renovar los intereses en la actividad analítica y para aupar o estimular la actividad teórica que surja de las obras presentadas hoy, propiciando la actualización de los juicios con respecto al acontecer del arte contemporáneo hecho en Venezuela, al tiempo que renovar la crítica de arte que se ocupa de ellas. Pero un jurado sin orientaciones teóricas y conceptuales, sin una delimitación que circunscriba lo que se va a confrontar, unos temas que permitan directa o indirectamente canalizar el esfuerzo gnoseológico en torno a los objetos que dependen de su toma de decisión, se convierte en un jurado caprichoso, tendencioso y con poca posibilidad de justificar los aspectos llamados a cotejar, por lo que sus decisiones pierden la claridad e idoneidad requerida para una mayor comprensión de la actualidad y contextualidad de las manifestaciones artísticas en juego. Es aquí donde entra la figura del salón bajo parámetros curatoriales, una experiencia que se viene realizando en este tipo de eventos en otras partes de Latinoamérica, como es el caso, por ejemplo, del Salón Nacional de Artistas en Colombia, entre otras confrontaciones regionales en ese país. En este sentido, la curaduría contemporánea no deja de apoyarse en teorías, operar bajo determinadas metodologías y proponer ciertas perspectivas que le confieren rigor y contextualidad a sus hipótesis y problemas. El punto de partida de una curaduría se establece en la intersección entre la historia del arte, la historia de las exposiciones y la historia de las mismas prácticas curatoriales, en la que la exposición funge como un dispositivo y la curaduría como práctica mediadora que afianza su interés por los modos de presentación pública del arte, además de la consideración de determinados temas propios de las ciencias sociales. Proponer las prácticas curatoriales en los salones de arte permitiría cartografiar los intereses, necesidad, motivaciones y expectativas que se generan en el medio del arte y su contexto social nacional, reconocer el trabajo de otros curadores, sus temas y motivos, tomar en cuenta los aportes realizados por la crítica de arte actual , entre otros aspectos. La lógica con que se estructura una curaduría para dar expresión a ideas, conceptos, hipótesis y temas propone un debate que atiende a la mejor comprensión por parte del público del hecho expositivo, desde el punto de vista visual y conceptual, al desarrollar contenidos con un sentido comunicativo-divulgativo dirigido a diversidad de públicos y por propiciar la generación de la “infraestructura” necesaria para otros salones y para la historia del arte mismo. De manera que, circunscribir, delimitar, afianzar nuestro objeto de estudio, blindarse con un aparato crítico y tematizar nuestro problema de estudio proporciona mayor rigor y contextualidad a las decisiones de los jurados y garantiza una mejor comprensión del material expuesto. Organizar contenidos a partir de propuestas curatoriales, además, permite clarificar los criterios de admisión, selección y premiación en salones, bienales y concursos. Este ejercicio reflexivo y creativo puede constituirse en referencia contundente para el medio artístico y para el público que asiste a este tipo de exposiciones. El salón podría ser visto, entonces, como un evento donde no solo se puede palpar la cuestión creativa, sino también teórica y crítica en función de determinado contexto, haciendo inteligible los cambios en el terreno del significado del arte de nuestro tiempo, al ordenar la heterogeneidad de la producción artística obedeciendo a criterios, cuestionamientos y reflexiones que identifiquen, orienten, clarifiquen y ordenen, en unos focos problemáticos, la heterogeneidad y pluralidad de la producción artística nacional, sus distintos lenguajes y discursos visuales. Por lo mencionado, no basta que el salón aporte un respetuoso montaje del repertorio de obras seleccionadas, tomando en cuenta la variedad y diversidad de lo exhibido; es necesario, también, una propuesta museográfica que dé respuestas y oriente, en cuanto a diseño y tipos de dispositivos, al guión curatorial. Dicho guión que debe estar suficientemente sistematizado en núcleos temáticos, para el disfrute de la experiencia estética. Los temas, criterios e hipótesis identificados por el guión curatorial (tipos de lenguajes artísticos, discursos, concepto, entre otros), propiciarán los posibles sistemas de interpretación pertinentes que movilicen y motiven en la mente de los espectadores la idea de la idoneidad del sentido de lo exhibido y la aprobación o no de las ideas e hipótesis de la curaduría. Por supuesto, el guión curatorial es parte del proyecto curatorial y este a su vez parte de una investigación previa que exploraría en términos empíricos, fenomenológicos y pragmáticos las propuestas artísticas más convenientes dentro de un universo siempre abierto donde cabrían otras muchas propuestas; una tarea que representa riesgos, pero que si no se realiza dejaría huérfanos de criterios previos a jurados de selección y premiación, quedando sus decisiones a expensas de los gustos, preferencias y criterios personales. Esta mecánica de trabajo sistemático propuesto es lo que debería garantizar rigor, excelencia y contextualidad a la labor del jurado y haría explícita para la crítica las intenciones del salón y sus decisiones. Dentro del universo de lo comentado parece conveniente realizar las siguientes propuestas y recomendaciones para los futuros salones: 1) Preparar la producción del salón nacional con una periodicidad bianual, lo que permitiría la evaluación necesaria de lo realizado con anterioridad, el entrenamiento del personal que actuará en el siguiente evento y la preparación de los artistas para la siguiente confrontación; 2) Pasar a la modalidad de salón curado: con investigación, proyecto, temas, conceptos, discursos, teorías, tesis y contexto; 3) Asumir la realización del catálogo del salón: el catálogo como generador de infraestructura para la renovación de la historia del arte nacional es, también, por sobradas razones, memoria, historicidad, contextualidad, conocimiento y archivo; 4) Tender puentes con la actividad académica del área humanística en las regiones, para sumar valores y reclutar a los seleccionadores regionales idóneos (mundos del arte); 5) Exhibir la labor de maestros creadores fuera de concurso junto al salón: sobre todo de aquellos que fueron modelo para la actividad creativa, que orientaron el rumbo de los lenguajes del arte contemporáneo o los ganadores de otras ediciones 6) Ampliar la convocatoria: al incluir proyectos comunitarios-participativos de intervención en el espacio público, arte urbano, net art, arte proceso, arte relacional, entre otros 7) Comprometerse con el mundo del arte contemporáneo, al afianzar la idea de un arte comprometido con el espíritu de su tiempo y con la “sociedad del arte” 8) Afirmar la idoneidad de los jurados, integrando a críticos de arte, académicos del área y maestros de las artes plástico-visuales, bajo criterios curatoriales previos. Sobre los premios se puede pensar en incluir: premio de la crítica de arte y premio del público y además, dentro de los tipos de premios, ofrecer: 1) Premio a la investigación en artes (publicaciones-revistas), 2) Premio a la propuesta curatorial (para el siguiente salón), 3) Premio becas de estudio para artistas, 4) Exposiciones en espacios museísticos como parte de los premios. Todos estos aspectos permiten tomar en cuenta al “mundo del arte” como un todo sistémico compuesto por instituciones, agentes y espacios de mediación. Para finalizar es importante entender que, los salones de arte forman parte de una escena cultural que se exhibe a sí misma, una manera de autorepresentación del arte que consigue movilizar públicos, instituciones, agentes y ámbitos de mediación, construyendo o reforzando al mismo tiempo formas específicas en la ecuación mercadeo, productividad y consumo. Del mismo modo, los salones de arte son formas institucionalizantes por intermedio de la cual el arte actual en su totalidad se presenta como sociedad ante el mundo, de allí el afán por procurar el reforzamiento de sus propios valores y discursos de legitimación. Estos eventos se pretenden como espacios que señalan los síntomas de lo contemporáneo, con sus lenguajes, sus estrategias de comunicación, sus agendas y políticas. Si sus propósitos teóricos, históricos, analíticos y divulgativos no son lógicos, coherentes y originales, el interés de la crítica por este tipo de “espectáculos” se pierde y el público asiduo disminuye su confianza en ellos. 

  Notas al pie

1- La ponencia “Por un modelo para el desarrollo actual de los salones de arte en Venezuela” fue presentada en el mes de febrero de 2026, en el marco de las actividades del Encuentro de Saberes, como parte de los eventos que acompañaron el I Salón Nacional de Arte Elsa Morales. Este encuentro propuso un examen crítico sobre las estructuras de poder y validación que sostienen el sistema del arte en Venezuela, donde los salones de arte no son solo certámenes de exhibición sino, también, espacios de encuentro de artistas que funcionan como complejos engranajes institucionales, los cuales definen jerarquías a través de la premiación y el juicio crítico. En esta ocasión el tema propuesto fue: Institucionalidad, premios y crítica en los salones de arte, donde procuré establecer una crítica institucional constructiva a raíz de la invitación que me hizo el departamento de investigación de la Galería de Arte Nacional para que disertara sobre el dispositivo salón.

 2- Terry, Smith (2012), ¿Qué es el arte contemporáneo?, Buenos Aires, Siglo XXI Editores S.A.

 3- Timms, Peter (2004), What`s Wrong With Contemporary Art?, Sidney, University of New South Wales Press. 

 4- Actualmente Venezuela puede ser percibida como un gran cementerio de salones de arte. Al hacer un breve inventario de estos espacios de confrontación hasta principios del siglo XXI, podemos enumerar la desaparición de los siguientes: Salón Nacional de Artes Plásticas, Salón de Arte Aragua, Bienal de Escultura Francisco Narváez, Bienal de Oriente, Bienal de Maracaibo, Salón de Cagua, Salón de Pintura del Metro de Caracas, Salón de Artes Visuales Carmelo Fernández, Salón CANTV de Jóvenes con FIA, Bienal de Puerto La Cruz, Salón Cabriales, Salón Anual de Pintura de Churuguara, Bienal de Artes Visuales de Churuguara, Bienal de la Tierra, Salón de Arte Alejandro Otero, Salón Municipal de Arte de Girardot, Salón de Arte Caribe, Salón Pirelli, Salón Exxon Móvil de Venezuela, Salón Municipal Juan Lovera, Salón Dycvensa, Salón Nacional de las Artes del Fuego, Salón Dimple, Bienal del Paisaje Tabacalera Nacional, entre muchos otros.

 5- El llamado campo expandido del arte contemporáneo está compuesto por un ecosistema conocido como sistema institucional del arte. Entre sus instituciones se encuentran: museos, galerías, bienales, salones, concursos, ferias, academias, fundaciones, revistas especializadas, casas de subastas, industria de materiales, herramientas y equipos artísticos; editoriales, medios y prensa afines al área, entre otros. Algunos de sus agentes los constituyen: curadores, críticos, jurados, coleccionistas, marchantes, mecenas, promotores-gestores, inversionistas, investigadores-historiadores, público interesado, artistas, redes sociales del ramo, entre otros. Los integrantes de este mundo del arte son los que se atribuyen la potestad de decidir que es o no es arte, en otras palabras, discutir sobre los cambios en la noción de arte, la idea de obra de arte y el estatus que ocupan los artistas.

 6- La crítica de arte destaca como uno de los discursos canonizadores, legitimadores y ámbito de tensiones, también funge como termómetro al interior del campo artístico. Hasta más o menos el 2015, publicaciones periódicas y revistas amparadas en las posibilidades económicas de la bonanza petrolera llevaron el pulso del acontecer artístico nacional, en el marco de la paulatina desaparición de los salones de arte. No obstante, Venezuela es hoy en día un cementerio de revistas de arte. En este contexto, el trabajo del crítico se desarrolla a través de distintos modos: los canales por los cuales difunde su trabajo, el medio social en el que se inserta, los públicos a los que se dirige, los círculos artísticos, sociales y académicos en los cuales se mueve, la valoración al que se la somete, su impacto en la construcción social del gusto, las preferencias de galerías y museos, entre otros.

  Félix Hernández. Nota biográfica 

Félix Hernández (Caracas, 1960) es licenciado en Artes, mención Artes Plásticas por la Universidad Central de Venezuela, con estudios en la Maestría de Artes Plásticas: historia y teoría, por esa misma casa de estudios. Se desempeñó como jefe de investigación en la Galería de Arte Nacional hasta que es jubilado en 2023. Promotor cultural y curador independiente, sus ensayos están representados en catálogos de exposiciones, artículos para revistas especializadas y libros; además, es asesor y productor en materia cultural.

Nota del Administrador del blog 

 Siguiendo con las publicaciones sobre la critica de arte y de arquitectura en Venezuela, presentamos hoy el interesante escrito del curador y promotor cultural Félix Hernández; referido a su concepción  sobre los salones de arte en Venezuela y la comprensión del arte contemporáneo. Esperamos que este blog sea un lugar de interés para la publicación de los escritos de los especialistas en teoría y critica del arte y de la arquitectura. Sean pues bienvenidas las colaboraciones de artículos sobre las temáticas aquí planteadas. Edgar Cruz. Dirección: edcruzart@gmail.com

Nuevo Libro de Helio Piñón: De la idea al arquetipo. Ediciones Asimétricas

             https://www.instagram.com/p/DXb1FEVDLsW/

             www.edicionesasimetricas.com

Nuevo libro de Helio Piñón: De la idea al arquetipo, ediciones asimétricas, 2026. 

En opinión del profesor Helio Piñón, este libro es una reflexión sobre su "arquitectura", es decir sobre su modo de proceder en sus proyectos didácticos". 

 El profesor Piñón ha sido mi guía y el de muchos otros más, interesados en el conocimiento de las fundamentaciones teóricas, criticas y estéticas de los proyectos de la arquitectura moderna; impartidos por Piñón en sus cursos magistrales de Proyectos, en la ETSAB, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, Universidad Politécnica de Cataluña, UPC. Desde 1983 a 1986, asistí allí a sus cursos sobre las Vanguardias Artísticas del siglo XX, magnífico arquitecto. Leeré este libro sobre sus proyectos didácticos con gran interés.

Abner J. Colmenares: Una reflexión desde la crítica nuestramericana sobre la investigación sobre los “Procesos de resistencias y re-existencias de la imagen y del espacio habitable" (1) .

 

A continuación la ponencia del Dr. Arq Abner Colmenares, presentada en el Segundo Encuentro de Crítica de Arte en Venezuela ¿Interpretación o Validación de la obra? In Memoriam del maestro Juan Calzadilla. Iartes-MBA, Caracas septiembre de 2025

Abner Colmenares:

 "Esta ponencia presenta una reflexión, desde una crítica situada en el pensamiento nuestroamericano, sobre el sentido y alcance de la investigación en los campos del arte, la arquitectura y la ciudad, desarrollada en el Centro de Estudios Latinoamericanos y del Caribe Rómulo Gallegos (Celarg). Consideramos pertinente hacerlo en el marco de este 2º Encuentro de Crítica de Arte en Venezuela, organizado por el Instituto de la Imagen de las Artes y del Espacio, adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, ya que constituye una tribuna idónea para dar a conocer al país los avances de una de las unidades de investigación creadas por la actual gestión del Celarg, bajo la presidencia del Dr. Pedro Calzadilla Pérez, para el avance de las ciencias sociales, las humanidades y las artes en Venezuela" (Abner J. Colmenares (2),18/09/2025)

Claves para pensar las artes de la imagen y del espacio desde el pensamiento crítico nuestroamericano

Desde sus inicios en el siglo XIX (3),la crítica del arte en Venezuela es una práctica cultural de naturaleza discursiva que centra sus atención en el análisis de la estética, materialidad, estructura compositiva y significación de la obra de arte, con el objeto de mediar e influir en la interpretación del hecho artístico por parte del público. Junto a la teoría e historia del arte y la filosofía estética, la crítica tiene una intencionalidad fundamental generar conocimiento sobre la creación, promoción y exhibición; no solo de la obra de arte sino también de las/los artistas creadores, en un momento y lugar determinado. apreciación general En su definición más elemental, el objeto básico de la crítica de las artes debe estar orientado a describir y evaluar las cualidades visuales, expresivas y estéticas de una obra de arte (o un conjunto de obras), mediante la estructura lingüística y narrativa de un texto o de un discurso oral. Ambas actividades –descripción y evaluación– están intrínsecamente relacionadas. Por un lado, a través del análisis crítico se describe de manera clara y precisa la realidad material de la obra, tal como se observa al ser un artefacto físico, una creación audiovisual o digital, un “performance” o una producción mixta, los cuales tienen cualidades estéticas, y cuyos componentes constitutivos –soportes, materiales, técnicas, formas y contenidos–, condicionan su recepción y experiencia sensorial por parte del público. Por el otro, la crítica evalúa el significado y alcance social de la obra en cuestión mediante juicios de valor y referentes históricos o culturales. Esto último ocurre debido a que los componentes que determinan la materialidad de la obra de arte no son simples integrantes pasivos, inertes, sino que la/el artista deliberadamente los dispone sobre el soporte físico o digital, para determinar activamente el sentido estético de la obra en un contexto cultural particular. En toda creación plástica, la/el artista intenta plasmar en su obra una experiencia estética, sensorial, con la intención de estimular emociones y sentimientos profundos en quien observa la obra asociados al contenido. La obra actúa como una forma de comunicación para desvelar la belleza o el significado estético de alguna presentación, representación o abstracción de la realidad observada en la naturaleza o en la vida cotidiana, así como también, de alguna invención “ex novo”. Desde el punto de vista del propósito de la crítica, toda obra de arte está situada en un contexto cultural que le da significado mediante su valoración estética y sensorial. Esto indica, que la obra de arte más allá de la materialidad, requiere de su reconocimiento y aceptación por parte del “mundo del arte”. Este término acuñado por el filósofo y crítico de arte Arthur Danto, expresa que la definición de lo que es el arte es función de una teoría del arte y de una red de instituciones, museos, galerías, artistas, críticos, curadores y proveedores que integran la “atmósfera del mundo del arte”(4). El trabajo de la crítica conlleva reconocer y problematizar la obra de arte como perteneciente a un universo discursivo de narrativas y valoraciones determinadas específicamente por un contexto cultural. Jacques Rancière, filósofo y profesor de estética francés, complementa la idea del “mundo del arte”, con su noción de “regímenes de identificación del arte”, al afirmar que no existe una obra de arte: 

 “sin un régimen de percepción y de pensamiento que permita distinguir sus formas como formas comunes. Un régimen de identificación del arte es aquel que pone determinadas prácticas en relación con formas de visibilidad y modos de inteligibilidad específicos”(5). En el contexto de la “atmósfera del mundo del arte”, consideramos que la crítica de la debe enmarcarse dentro del universo discursivo amplio de la identidad nacional y del pensamiento nuestroamericano y caribeño. En consecuencia, las narrativas y valoraciones de la crítica venezolana estarán determinadas específicamente por tres perspectivas culturales de interpretación: 1) como un acto de producción de conocimiento, destinado a facilitar la comprensión estética y la valoración cultural de las obras de arte producidas por artistas que se sitúan en un algún lugar de creación/enunciación venezolano, latinoamericano y caribeño; 2) como una acción de valoración estética o legitimación institucional, surgida de nuestra experiencia cultural, histórica y social, que reconoce la pluralidad de identidades, memorias y resistencias; y 3) como un ejercicio analítico para desmantelar las lógicas coloniales que aún permean la producción, circulación y recepción del arte, forjadas en modelos teóricos de los centros hegemónicos en Europa y Estados Unidos. Estas perspectivas que delinean el núcleo de la crítica artística, permiten problematizar, cuestionar, interpretar y valorar la tensión permanente de las obras de artes con lo local y lo global, lo propio y lo impuesto, lo político y lo lúdico, así como entre la identidad y la universalización. En consecuencia, la crítica de las artes se configura como una práctica dialéctica que permite pensar las obras desde su ontología (la esencia misma del arte), su epistemología (cómo se conocen las obras y se transforman en conocimiento), sus determinaciones operativas (cómo se explican la materialidad y la subjetividad de las obras) y sus términos funcionales (el propósito que cumplen). Para esclarecer estos conceptos, examinaremos la definición y el significado de la crítica de las artes a través de estas cuatro dimensiones fundamentales: ontológica, epistemológica, operativa y funcional. 

Dimensión ontológica: ¿Qué es la crítica de las artes?

La crítica de las artes se configura como un acto de producción de conocimiento que, aborda la materialidad estética y compositiva de las obras, y por otra, examina las subjetividades en relación con los ciclos de producción, reproducción, exhibición y consumo. Se trata de un ejercicio de pensamiento crítico situado, inscrito en un contexto económico, social y político específico, vinculado a las experiencias culturales e históricas de Venezuela. En este sentido, es fundamental reconocer que la crítica artística no es neutral: constituye una práctica de construcción de sentido contrahegemónico. Parafraseando a Walter Mignolo, puede entenderse como un ejercicio de desobediencia epistémica que cuestiona las formas de clasificación y valoración impuestas por los marcos eurocéntricos(6) . Por ello, la crítica nuestramericana no puede ni debe limitarse a la aplicación de cánones estéticos heredados de Europa. Más bien, se afirma como una interpretación comprometida con nuestra identidad y realidades sociales.

Dimensión epistemológica ¿La obra de arte como objeto de conocimiento?

La crítica de las artes aborda la generación, validación y transformación de saberes y conocimientos sobre la estética y práctica de los objetos artísticos, desde epistemologías situadas y descolonizadoras. Su alcance deconstruye epistemologías coloniales, revalorizando saberes originarios, populares, locales y colectivos e incorporando perspectivas híbridas en contextos plurales y multiculturales, marcado por tensiones políticas y culturales, que enriquece la comprensión del arte como resistencia identitaria. Su alcance se manifiesta en la capacidad de la crítica para interrogar las fuentes de legitimidad del arte, como los museos, las galerías y las instituciones públicas y las académicas, para incorporar perspectivas críticas híbridas que integran lo racional con lo afectivo, lo oral con lo escrito, y lo estético con lo ético. Epistemológicamente, la crítica de las artes adquiere un significado liberador al posicionarse como un acto de soberanía cognitiva. Significa desmontar las "epistemologías del norte" que reducen el arte latinoamericano a exotismo o subdesarrollo, y en su lugar, construir un conocimiento que emerge de la praxis cotidiana y las luchas sociales. Este significado radica en su potencial para generar "epistemologías otras" que reconozcan la multiplicidad de realidades, fomentando un diálogo intercultural que enriquece la comprensión del arte como un espacio de resistencia y afirmación identitaria. En su dimensión más valorativa, la crítica nuestramericana del arte busca promover una soberanía estética como reflejo de una realidad social y cultural diversa, polifónica, reconociendo la diversidad del pensamiento creador y la variada sensibilidad artística que germina en nuestros territorios del Abya Yala. 

Dimensión operativa: ¿Cómo se ejerce la crítica de las artes?

La crítica de las artes, de la imagen y del espacio, es un proceso discursivo que describe, interpreta, evalúa, teoriza y justifica obras artísticas dentro un universo de validaciones situadas entre lo: objetivo o subjetivo, racional o intuitivo, local o universal; para contextualizar tanto las obras artísticas como las intenciones de las/los artistas, en el momento histórico en que han sido creadas. Es, ante todo, un proceso de interpretación de los valores estéticos y las capas de significado que se expresan en la obra, mediante su entrelazamiento con nuestra historia, geografía, identidad y cultura. En esencia, la crítica nuestramericana de las artes, es un acto de descolonización de las miradas sobre las obras de arte, en un contexto determinado por modos de producción, reproducción, exhibición y consumo particulares, cuyo fin último permite subvertir el monólogo hegemónico de la modernidad eurocéntrica e instaurar un diálogo polifónico que reconozca la heterogeneidad de nuestras prácticas artísticas y culturales. 

Dimensión funcional: ¿Para qué sirve la crítica de las artes?

La crítica de las artes, de la imagen y del espacio, se define funcionalmente como un dispositivo discursivo de mediación y confrontación. Media entre la obra, el público y los marcos de interpretación. Confronta discursos dominantes y abre sentidos alternativos, en nuevas claves para su comprensión. El antropólogo argentino García Canclini, quien promovió el abordaje transdisciplinario para comprender y captar la complejidad de la cultura y las artes en Latinoamérica, subraya que la crítica, en América Latina genera un abanico de posibilidades de significaciones donde lo estético se intercepta con lo económico, lo político y lo social; la crítica del arte afirma García Canclini, no puede limitarse a interpretar estilos, sino que debe analizar las condiciones “hibridas” de producción y circulación de las obras(7). La crítica nuestramericana del arte busca promover una soberanía estética como reflejo de una realidad social y cultural diversa, polifónica, reconociendo la diversidad del pensamiento creador y la variada sensibilidad artística que germina en nuestros territorios del Abya Yala. En síntesis, el alcance de la crítica nuestramericana es situado, pero muy amplio en su expresión: no se limita a juzgar la forma, sino que interpreta relaciones de poder, desentraña símbolos, evalúa impactos sociales, culturales y políticos; interrogándose constantemente sobre el sentido y el significado de las obras de arte analizadas. Su aspiración no es valorar para el mercado o el reconocimiento universal eurocentrado, sino que pretende interpretar para emancipar y descolonizar la mirada y contribuir a la construcción de imaginarios Otros, más justos, más nuestros y además bellos. El sentido y alcance de la crítica en el caso de la Unidad de investigación de Procesos de resistencias y re-existencias de la imagen y del espacio habitable del Celarg. En el ámbito de la crítica de las artes, tema que convoca este encuentro, la Unidad de Investigación Procesos de resistencias y re-existencias de la imagen y del espacio habitable del Celarg tiene como propósito promover debates y reflexiones que fortalezcan el pensamiento crítico nuestroamericano. Para ello, concibe la crítica de las artes como espacios de reflexión académica, resistencia y transformación social, al tiempo que organiza líneas de investigación sobre las principales corrientes y autoras/autores vinculados al pensamiento crítico de Abya Yala en torno a dichas artes. Estos intercambios buscan identificar y problematizar categorías de análisis pertinentes a nuestras realidades económicas, sociales y políticas, así como visibilizar enfoques y marcos conceptuales que sustenten las problemáticas investigativas del Celarg. 

Sobre la estructura académica del Celarg 

Es importante destacar que el Celarg desarrolla sus programas de estudios avanzados en los campos de las ciencias sociales, las humanidades y las artes a través de dos estructuras operativas académicas principales. Por un lado, mediante el Programa Nacional de Formación Avanzada en Estudios Nuestroamericanos, el cual inició su primera cohorte en noviembre de 2024 con 86 participantes para optar al grado de maestría y doctorado. Este programa contempla cuatro líneas de investigación: pensamiento crítico nuestroamericano; estudios culturales; geopolítica y bloques de poder; movimientos sociales, conflicto y democracia; y los desafíos de la unidad de Nuestra América. Por otro lado, el Celarg organiza sus procesos de investigación en unidades orientadas a la generación, gestión y difusión de saberes en los campos de las ciencias sociales, las humanidades y las artes, promoviendo una perspectiva crítica, descolonial, liberadora, popular y con vocación nuestroamericana. A tal efecto ha establecido nueve unidades operativas como estrategia para organizar la investigación y apoyar al cuerpo académico y estudiantil del PNFA(8) Cada Unidad de Investigación se estructura a partir de grupos de trabajo, líneas y proyectos de investigación. Uno de los principales logros de esta transformación institucional del Celarg es el Programa de Investigación José Carlos Mariátegui, que ha reunido 62 proyectos financiados con el apoyo del FONACYT, cuyos resultados serán presentados al público interesado en unas jornadas a celebrarse en el último trimestre del 2025. 

La unidad de investigación Procesos de resistencias y re-existencias de la imagen y del espacio habitable del Celarg.

La investigación sobre las artes de la imagen y del espacio en el Celarg se configura como un ejercicio de crítica, entendida esta, no como juicio normativo para responder a las demandas del mercado, la fetichización de la obra o la erudición banal para públicos ilustrados, sino como práctica situada en el pensamiento nuestroamericano, descolonial y antimperialista. Su finalidad es emancipar y descolonizar la mirada y los imaginarios estéticos sobre las artes, contribuyendo a la tarea urgente de pensar y construir mundos Otros, plurales, multiculturales más justos y más bellos. En este contexto, la Unidad de Investigación Procesos de resistencias y re-existencias de la imagen y del espacio habitable se concibe como un ámbito de reflexión crítica sobre las principales corrientes, autores y obras del vinculados a producción de las artes visuales y al espacio habitable. Su programa busca identificar problemas, marcos teóricos y enfoques pertinentes a la problematización y desarrollo de las artes de la imagen y del espacio, tanto en Venezuela como en el territorio nuestroamericano y del Caribe. El objetivo fundamental es consolidar un contexto teórico-epistemológico que enriquezca el diálogo en torno a los proyectos en curso del PNFA y del Programa Mariátegui, favoreciendo el intercambio de saberes entre investigadoras e investigadores del Celarg y con otros centros académicos del Abya Yala. Para ello, se han propuesto cuatro Grupos de Trabajo: 1. Artes de la imagen, 2. Espacio habitable: ciudad y arquitectura nuestroamericana, 3. Patrimonio e identidad y 4. Migraciones y movilidad humana. Estos Grupos de Trabajo se constituyen como equipos de investigación que, desde una perspectiva multi e interdisciplinaria, enfocan sus esfuerzos en campos específicos del área que aborda la unidad:

  1. Grupo De Trabajo: Artes de la Imagen 

Este grupo de investigación propone un análisis crítico de las artes de la imagen en Venezuela y el resto de Nuestra América, con el fin de enfrentar las tensiones derivadas de una herencia colonial aún presente en sus formas de producción, circulación y legitimación estética. Las artes de la imagen —que incluyen la fotografía, la pintura, el cine, el arte digital y virtual— trascienden la mera representación visual al disputar las formas hegemónicas de configurar la mirada y cuestionar las perspectivas eurocéntricas que han modelado la comprensión y representación de la realidad. Resemantizar estas prácticas desde una perspectiva crítico-nuestroamericana implica una ruptura con los paradigmas eurocéntricos que han definido la historia y las prácticas artísticas de la región. No se trata de un simple imaginario alternativo ni de una propuesta pedagógica alternativa, sino de un enfoque Otro, de naturaleza ontoepistémica, generado a partir de la recuperación de memorias, saberes, técnicas, materiales, paisajes y estéticas marginadas por la lógica colonial/moderna. El objetivo es construir una nueva ontología de la imagen. Redefinir las artes de la imagen desde esta perspectiva exige un proceso profundo de reapropiación simbólica, epistémica y política. Supone desmontar los dispositivos hegemónicos que han definido los imaginarios visuales y los criterios de calidad artística, para proponer marcos propios anclados en las prácticas sociales, las memorias históricas y los cuerpos y lugares marcados por la colonialidad. Solo así podrá avanzarse hacia una soberanía cultural verdadera, en la que las imágenes de lo propio no sean reflejos deformados, sino expresiones ontoepistémicas insurgentes de un mundo en disputa por el imperialismo yanki. Este grupo de trabajo se organiza en dos líneas de investigación que orientan los trabajos a desarrollar y delimitan campos específicos de estudio, ya sea mediante proyectos individuales o conjuntos de proyectos articulados: a) Pensamiento sobre las artes de la imagen: Esta línea aborda las artes de la imagen como insurgencias ontoepistémicas visuales. Analiza sus expresiones (medios) y prácticas (fines), los modos de producción y reproducción artística, los desplazamientos epistémicos y políticos, así como las formas de resistencia y construcción de sentido ontológico. Su propósito es replantear la creación de visualidades y estéticas más allá de los cánones eurocéntricos y las jerarquías coloniales. También investiga genealogías, memorias ancestrales y prácticas tradicionales y populares de las artes visuales en Nuestra América. b) Creación en las artes de la imagen: Esta línea estudia y promueve prácticas y metodologías híbridas que integren la creación artística, la investigación visual y las prácticas comunitarias en la producción de imágenes. Concibe la producción visual como una práctica experimental de memoria, resistencia y creación situada. Asimismo, examina el impacto de los medios digitales y la inteligencia artificial como nuevas formas de colonización tecnológica, a la vez que impulsa su resignificación como herramientas insurgentes y liberadoras.

  2. Grupo de Trabajo: Espacio Habitable: Ciudad y Arquitectura Nuestramericana 

Este Grupo de investigación analiza los procesos de materialización y significación del espacio habitable, junto con las subjetividades y dinámicas de los asentamientos humanos que lo configuran. Su enfoque crítico evalúa el impacto de las dinámicas urbanas y arquitectónicas en Venezuela en relación con la justicia social, la preservación del patrimonio, así como con los procesos de movilidad y migración. El espacio habitable —concebido como un sistema sociológico complejo que integra ciudad, arquitectura, paisaje y entorno rural— se estudia desde una perspectiva nuestroamericana que articula dimensiones antropocéntricas, culturales y naturales. El propósito es construir una comprensión multidimensional de los desafíos del espacio habitable en Venezuela, en diálogo con los contextos latinoamericanos y caribeños. El grupo identifica dos líneas de Investigación: a) Pensamiento sobre el espacio habitable nuestroamericano: Esta línea examina ontoepistemologías, genealogías y marcos teóricos críticos sobre el espacio habitable más allá de los cánones eurocéntricos y las jerarquías coloniales. Reconoce y valora saberes alternativos vinculados con la política, la memoria, las interacciones entre espacio, naturaleza y cultura, y el espacio habitable entendido como sistema sociológico complejo. Asimismo, fomenta principios como el Buen Vivir, la justicia social, el Derecho a la Ciudad y la construcción de la ciudad comunal. b) Prácticas sobre el espacio habitable nuestroamericano: Esta línea estudia y promueve prácticas y metodologías críticas en torno al desarrollo de proyectos, la investigación-acción con las comunidades y las pedagogías críticas orientadas a la proyectación y construcción del espacio habitable. Problematiza el diseño y el proyecto como prácticas sociales situadas, así como los modelos y tipologías de arquitectura y urbanismo Otros, surgidos de alternativas decoloniales generadas por comunas y movimientos de pobladores. También cuestiona los paradigmas de la colonialidad y la modernidad en la arquitectura, el paisaje, la ciudad y las artes espaciales en la región, al tiempo que revisa tradiciones, saberes ancestrales y resistencias presentes en la producción espacial. 

 3. Grupo de Trabajo: Patrimonio e Identidad 

Este Grupo de Trabajo propone un análisis crítico del patrimonio material e inmaterial de Venezuela, abordando su conceptualización, protección, difusión y resignificación desde un enfoque nuestroamericano y descolonial. La gestión del patrimonio en Venezuela y Nuestra América exige una mirada crítica, intercultural y multicultural, entendida como un campo de lucha y resistencia frente al colonialismo, la homogeneización y la fetichización capitalista. El patrimonio no debe asumirse como reliquia del pasado, sino como semilla para construir futuros posibles desde una perspectiva plurinacional y centrada en los pueblos. El grupo de trabajo define dos líneas de investigación: a) Variables clave para comprender el patrimonio: Esta línea explora conceptos fundamentales como identidad, memoria e imaginarios colectivos, y concibe el patrimonio como una construcción social dinámica, vinculada a luchas históricas y procesos de resistencia. Incluye dimensiones como la interculturalidad crítica, la territorialidad, la espacialidad, la economía política, la resignificación y reutilización, así como la preservación, protección, difusión y musealización del patrimonio. b) Variables transversales: Esta línea integra enfoques interdisciplinarios que enriquecen el análisis patrimonial. Sostenibilidad no extractivista: Promueve una gestión ecosocial sustentable, basada en economías solidarias que rechazan lógicas coloniales y capitalistas. Pedagogías críticas: Impulsa una educación pública y popular que articule patrimonio y derechos culturales, fomentando el empoderamiento comunitario. Y, Redes nuestroamericanas: Favorece la cooperación regional a través de plataformas como ALBA o UNASUR Cultural, evitando dependencias de marcos eurocéntricos como los de la UNESCO. 

 4. Grupo De Trabajo: Migraciones y Movilidad Humana 

Este Grupo de investigaciones propone un análisis crítico de las migraciones de poblaciones empobrecidas en Venezuela y América Latina, abordando sus causas estructurales y las múltiples tensiones que enfrentan migrantes y Estados. Desde una perspectiva descolonial y nuestroamericana, se examinan las relaciones entre desigualdad, extractivismo, despojo y colonialidad, vinculadas con nuevas formas de movilidad forzada promovidas por imaginarios hegemónicos y agendas del Norte Global, concebidas como estrategias de desestabilización, en particular contra procesos políticos socialistas como la Revolución Bolivariana. Las migraciones no deben reducirse a una “crisis humanitaria”, sino comprenderse como expresión de una estructura global de exclusión que reproduce lógicas coloniales de expulsión y despojo. El Grupo define dos líneas de investigación principales: a) Variables clave para comprender la migración: Causas coyunturales y estructurales: Identificación de los factores que inducen migraciones masivas, tanto en sectores empobrecidos como en grupos de clase media y profesionales. Dimensión psicosocial e imaginarios: Análisis de los efectos emocionales, sociales y culturales que acompañan la experiencia migratoria, así como de los imaginarios que orientan las decisiones de quienes migran. Riesgos y vulnerabilidades en tránsito: Estudio de los desafíos, amenazas y condiciones de precariedad a los que se enfrentan los migrantes a lo largo de sus trayectorias. b) Impactos de la migración sobre el territorio: En los espacios de origen: Evaluación de las consecuencias directas de la migración en las comunidades de los países emisores. En los espacios habitables y la naturaleza durante el recorrido: Análisis de los efectos sociales, ambientales y territoriales derivados del tránsito constante de flujos migratorios a través de comunidades, ciudades, estados y naciones. Y, En los Estados receptores: Estudio de los desafíos y oportunidades que plantea el asentamiento permanente de personas migrantes en los territorios de destino dentro de América Latina y los Estados Unidos. Para concluir, los invitamos a estar atentos a las convocatorias del Celarg, tanto a los seminarios que mensualmente organizan la Dirección Estratégica con las unidad de investigación, los cuales son abiertos a todo público interesado, así como a las nuevas convocatorias para la postulación de proyectos al programa de investigación Mariátegui, con financiamiento del Fonacyt, o el llamado a inscripciones para optar a la nueva cohorte del PNFA en estudios nuestroamericanos. Abner J Colmenares: 18/09/2025, revisado 20/09/2025 

  Notas al pie 

 1- Ponencia presentada en 2º Encuentro de Crítica de Arte en Venezuela. Instituto de la Imagen de las Artes y del Espacio, Caracas, 19/08/20285

 2- Abner J. Colmenares es Arquitecto (U.C.V., 1975), Master en Arquitectura y Master en Planificación Urbana (U.Penn 1979), y Doctor en Artes y Culturas del Sur (Unearte, 2024). Actualmente es profesor de Pensamiento Crítico en el pregrado de la Universidad Nacional de las Ciencias y del seminario Descolonialidad de las ciudades venezolanas, en el Programa Nacional de Artes y Culturas del Sur de la Universidad Nacional Experimental de las Artes. Se desempeña como investigador del Centro de Estudios Latinoamericanos y del Caribe Rómulo Gallegos (Celarg), donde coordina la Unidad de Investigación de “Procesos de resistencias y re-existencias de la imagen y del espacio habitable”. Email: RRSS: IG/ @abnerccs y https://arqueoarquitectural.blogspot.com/ 

 3- Según el crítico e historiador del arte venezolano Simón Noriega, el inicio de la historia y crítica del arte en Venezuela se debe al trabajo de Ramón de la Plaza (1831-1886), músico, pintor, historiador, militar y diplomático venezolano, quien escribió una serie de cinco ensayos sobre la historia del arte nacional publicado en el libro Ensayos sobre el Arte en Venezuela (1977 [1883]), Caracas: Ediciones de la Presidencia de la República, 2ª edi., bajo el mecenazgo del presidente Antonio Guzmán Blanco. Afirma Noriega, que De la Plaza en estos ensayos “estructuró un relato que aspiraba a la totalidad, trazando un recorrido desde el período colonial hasta sus contemporáneos”, el cuál es considerado como el primer intento serio de construir una historia del arte y las ideas estéticas predominantes para la época, a diferencia de las meras reseñas periodísticas o los elogios anecdóticos que se publicaban en la prensa escrita decimónica, (Noriega, Simón (2011), La crítica de arte en Venezuela, Mérida: Ediciones Actual, págs. 106-122

 4- Danto, Arthur C. (2013[1964]), “El mundo del arte”, en Disputatio. Philosophical Research Bulletin Vol. 2, Nº 3, Dic., Salamanca-Madrid, págs. 53-71. 

 5- Rancière, Jacques. (2005). Sobre políticas estéticas. Barcelona: Museu d’Art Contemporani de Barcelona, pág. 22.

 6- Mignolo, Walter (2007 [2005]) La idea de América Latina. La herida colonial y la opción decolonial, Barcelona: Gedisa, Capitulo 3, pp. 117-168

 7- Ver “Capítulo 2. Contradicciones latinoamericanas ¿modernismo sin modernización?”, en García Canclini, Néstor (1990 [1989]). Culturas híbridas. Estrategias para entrar y salir de la modernidad, Ciudad de México: Dirección General de Publicaciones del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y Editorial Grijalbo, págs. 65-94. 

 8- Las Unidades de Investigación del Celarg, están adscritas a la Dirección de Desarrollo Estratégico, bajo la conducción de la Profesora Cristiane Valles y la coordinación académica del Dr. Andrés Eloy Ruiz. Las unidades son las siguientes 1. Cátedra Rómulo Gallegos. Coordinada por la Dra. Rosa Elena Pérez Mendoza, 2. Literatura Nuestroamericana, Coordinada por la Dra. Ximena Benítez, 3. Identidades Sonoras De Nuestra América, Coordinada por el Dr. Nelson Hurtado, 4. Corporalidades En Movimiento: Gestos Y Prácticas Escénicas, Artísticas Y Culturales, Coordinada por el Dr. Oswaldo Marchionda, 5. Artes De La Imagen Y Artes Del Espacio, Coordinada por el Dr. Abner Colmenares, 6. Tendencias Del Pensamiento Crítico Nuestroamericano, 7. Identidades, Saberes Y Resistencias Del Sur, Coordinada por el Dr. Maury Márquez, 8. Comunicación, Tecnologías Digitales Y Educación, Coordinada por el Dr. Antonio Nuñez Aldazoro y 9. Política, Geopolítica Y Transformaciones Sociales, Coordinada por el Dr. Andrés Eloy Ruiz. 

 Abner Colmenares.Nota biográfica 

Obtuvo el Doctorado en el Programa Nacional de Estudios Avanzados Artes y Culturas del Sur de la Universidad Nacional de las artes (Unearte) en 2024; la Maestría en Arquitectura y la Maestría en Planificación Urbana en el programa para graduados en diseño urbano de la Universidad de Pennsylvania (Penn) en Filadelfia, EEUU, en 1978; y el título de Arquitecto, en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela en 1975. Aprobó el Programa Doctoral en Gerencia de la Facultad Ciencias Económicas y Sociales de la UCV, en 2006; y, el Programa de formación y capacitación para instructores de diseño, de la Escuela de Arquitectura y del Sistema de Actualización Docente del Profesorado de la Universidad Central de Venezuela (Sadpro), en 1980-81. Ha sido Profesor de la Universidad Central de Venezuela ininterrumpidamente desde 1979 hasta 2020, y luego desde 2011 hasta 2018. Fue Profesor de Diseño y Teoría de la Arquitectura en el programa de pregrado la Escuela de Arquitectura de la UCV,1979-2020 y, Profesor de cursos de posgrado, 1979-2020, siendo fundador de la Maestría en Diseño Arquitectónico, en el área de teoría de la arquitectura. Ha sido profesor invitado de la Universidad Simón Bolívar, Universidad del Zulia, Universidad Nacional Experimental Politécnica De La Fuerza Armada Nacional y Escuela Venezolana de Planificación. Así como, en el programa de pregrado en arquitectura de la Delft University of Technology, en los Países Bajos. Fue decano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV (1996-2002), Coordinador de la Comisión de Preservación de la Ciudad Universitaria de la UCV (2000-2002), y Presidente de la Fundación Fondo Andrés Bello, para el Desarrollo Inmobiliario de las Zonas Rentales de la UCV (2004-2007). Fue Director General del Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio (Iartes) en 2017. Actualmente forma parte del cuerpo de investigadores de Centro de Estudios Latinoamericanos y del Caribe Rómulo Gallegos donde además se desempeña como Coordinador de la Unidad de Investigación de Artes de la imagen y del espacio; así como es miembro del Comité académico del PNFA en Estudios Nuestroamericanos. Campos de Investigación: • Epistemología del conocimiento y pensamiento descolonial. • Teoría y práctica de la planificación participativa y protagónica de las comunidades en el desarrollo de la ciudad comunal • Teoría y práctica de la planificación estratégica de ciudades y sectores urbanos • Racionalidad de la gerencia de grandes proyectos urbanos y de proyectos de inversión inmobiliaria, incluyendo análisis de potencialidad urbanística y factibilidad económica en relación al ordenamiento jurídico vigente. • Teoría y práctica del proyecto arquitectónico. • Análisis de estructuras organizacionales y gestión de empresas. Es consultor senior de proyectos de planificación, arquitectura y diseño urbano desde 1980. Con amplia experiencia en gerencia, diseño y desarrollo de proyectos de arquitectura y diseño urbano; y, también de planes de ordenamiento estratégico urbanístico y de evaluación de factibilidad socio-económica financiera de proyectos de desarrollo inmobiliario. Actualmente forma parte de la Fundación Colectivo de Arquitectura ¿Cuál Ciudad?: tanque de pensamiento sobre la arquitectura y la ciudad, comprometidos con los cambios sociales y la justicia social, para lo cual llevan a cabo proyectos de investigación y actividades de difusión comunicacional. Publicaciones Libros publicados El Aula Magna y la síntesis de las artes, 2003, Caracas: Ediciones de la Dirección de Cultura de la UCV. Ideas y posiciones acerca de la universidad y la arquitectura, 2002, Caracas: Ediciones de la Biblioteca de Arquitectura, UCV (Colección ensayos críticos sobre la arquitectura venezolana, Las tipologías arquitectónicas: Una antología de ensayos críticos, 1999, Caracas: Ediciones del Vicerrectorado Académico de la UCV. La cuestión de las tipologías arquitectónicas, 1991, Ediciones de la Biblioteca de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV. Artículos publicados en libros arbitrados “Modelo para otra docencia de arquitectura: formando cuadros técnicos críticos transformadores de los modos de habitar”, 2019, en Migraplan, Migraplan IV: Migración, urbanización rápida y desafíos de la interculturalidad, Tarija, Bolivia: Universidad Católica Boliviana, 29-08-2019. “Para comprender el tema de las continuidades”, pp. 34-37; “Para comprender el tema de la sectorización clasista”, pp. 40-41; “Para comprender el tema de la segregación socio-espacial”, pp. 42-43; “Para comprender el tema de la movilidad”, pp. 44-46; “La Constitución de la República Bolivariana de Venezuela y la materia urbanística”, pp., 102-104; “Problemas de la legislación nacional vigente, IV republicana o gatopardiana”, pp. 105-106; “Instrumentos jurídicos de la revolución para la gestión urbana”, pp. 107-110; “La potencialidad de las ordenanzas municipales”, pp. 111-113; “El catastro como Instrumento de gestión de los bienes inmuebles de la ciudad”, pp. 117-118; “Política y planes urbanos revolucionarios”, pp. 136-138; y, “Definiciones necesarias para entender el plan urbano estructurante”, pp. 139-141; en Sesto, Farruco et. al. 2018, La Idea de Ciudad, Caracas: Escuela Venezolana de Planificación. “Mausoleo del Libertador. Espacio y Paseo Monumental en homenaje al Libertador”, 2013, en Oficina Presidencial de Planes y Proyectos Especiales, El Mausoleo del Libertador, Caracas: Proyecto Editorial OPPPE, noviembre, pp., 297-315. “Urban and Real Estate Development of Central University of Venezuela Central Zone”, 2008, en Win Wiewel y David C. Perry (editores), Global Universities and Urban Development, Case Studies and Analysis, New York M.E. Sharpe Press, pp.181-203. “Urban and Real Estate Development of Central University of Venezuela Central Zone”, 2006, en World Planning Schools Congress (editor), Abstracts: 2º World planning schools congress, México; UNAM/ALEUP, pp.498-499. "The Beginning Architectural Design Studio as an Object of Knowledge", 1997, en Bruce Lindsey and Laura Lee (editors), Not only but also, Proceedings14th National Conference on Teaching the Beginning Design Student, Pittsburgh, Pa.: ACSA- School of Architecture, Carnegie Mellon University, abril 3-6, pp. 29-38. Investigaciones presentadas como trabajos de ascenso en el escalafón universitario: Los ideales de Carlos Raúl Villanueva: de las bellas artes al minimalismo, Proyecto de investigación (2000-2003), presentado al Jurado examinador designado por el Consejo de la Facultad, para su defensa oral con el fin de ascender a profesor asociado en el escalafón universitario de la Universidad Central de Venezuela, 2003. Las tipologías arquitectónicas como fundamentos teóricos de la arquitectura, Proyecto de investigación (1988-1991), presentado al Jurado examinador designado por el Consejo de la Facultad, para su defensa oral con el fin de ascender a profesor agregado en el escalafón universitario de la Universidad Central de Venezuela, 1991. Síntesis: el acto creativo en el diseño arquitectónico, Proyecto de investigación (1979-1982), presentado al Jurado examinador designado por el Consejo de la Facultad, para su defensa oral con el fin de ascender a profesor asistente en el escalafón universitario de la Universidad Central de Venezuela, 1982. Otras investigaciones elaboradas en el contexto de la crítica de la arquitectura: Carlo Scarpa: Un recorrido arquitectural para develar la poética del Pabellón de Venezuela en la Bienal de Venecia. Ensayo crítico elaborado para Instituto de las Artes, la Imagen y el Espacio (IARTES), con motivo de la Bienal de Arte de 2017. 04-02-2017 La poética espacial del Pabellón de Venezuela en la Bienal de Venecia: Análisis Tipológico del proyecto diseñado por Arq. Carlo Scarpa, Ensayo crítico con gráficos elaborado para Instituto de las Artes, la Imagen y el Espacio (IARTES), con motivo de la Bienal de Arte de 2017, 04 02-2017 Estado de la crítica de arquitectura en Venezuela en tiempos de revolución. Ponencia presentada en el Simposio Diálogos sobre arte y política: debates sobre el sentido, organizado por el Instituto de las Artes, la Imagen y el Espacio (IARTES), en el marco de la I Bienal Del Sur. Pueblos en Resistencia, 22-02-2016. Impacto positivo de la Gran Misión Vivienda Venezuela en la construcción de las ciudades socialistas. ¿Cómo la GMVV afecta a la realidad de la ciudad actual? Reseña del Ciclo de debates en Museo de Arquitectura, 12-06-2013. La Gran Misión Vivienda Venezuela: Las nuevas soluciones tipológicas y arquitectónicas en el país. La experiencia de la Oficina Presidencial de Planes y Proyectos Especiales (OPPPE). Reseña del Ciclo de debates en Museo de Arquitectura, 19-06-2013. https://arqueoarquitectural.blogspot.com/2013/08/la-gmvv-y-la-experiencia-de-la-oficina.html Una mirada al habitar el territorio: Arquitecturas recientes desde la modernidad reinterpretada y la diversidad de Iberoamérica. Ensayo crítico a propósito de la VI Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo, Lisboa, Portugal (07/2007) Aproximación al conocimiento de las teorías de la arquitectura. Reflexiones fueron elaboradas en víspera de iniciarse el curso de postgrado, El pensamiento contemporáneo en las teorías de la Arquitectura, 1995, organizado por la Maestría en Diseño Arquitectónico de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela, 1995. La trilogía arquitectónica de Vitruvio y su impacto en las ideas de diseño de Carlos Raúl Villanueva para el diseño del Museo de Bellas Artes (1935) y la Ampliación (1968), Tesis presentada al jurado evaluador del Concurso de Oposición para ingresar a la cátedra de diseño de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela, para la prueba del Concurso público de Oposición, 1979. Penn´s Landing: Waterfront. A Case Study in Urban Design (El Muelle de Penn: Frente costero. Un caso de estudio en diseño urbano). Proyecto síntesis final de grado (capstone design studio), del Programa de diseño urbano de la Universidad de Pennsylvania, GSFA, (Máster conjunto en arquitectura y urbanismo), para la formación de expertos en diseño y planificación de grandes conjuntos urbanos, Filadelfia, EEUU, 12-1978. Actividades académicas en otras universidades Ha sido profesor invitado para dictar conferencias en las escuelas de arquitectura de las siguientes universidades: • Universidad Politécnica de Puerto Rico (2001), • Universidad del Zulia (2000), • Universidad Simón Bolívar, Caracas, • Universidad Santa María (1999) y • Florida Internacional University, Miami, USA (1998) Ha sido profesor visitante para dictar materias electivas u optativas en las siguientes universidades: • Gestión de Proyectos de Transporte Ferroviario, en el posgrado de la Especialización En Gerencia De Proyectos Ferroviarios, de la Universidad Nacional Experimental Politécnica De La Fuerza Armada Nacional, Unefa (septiembre-noviembre 2013 y enero-febrero 2014). • Teoría del Diseño y Teoría de la Forma e Ilustración en el Programa de Pregrado en Diseño Gráfico en la José María Vargas University, en Pembroke Pines, Florida, Estados Unidos de Norteamérica (07/2009 al 03/2010). • La cuestión de las Tipologías arquitectónicas, en el Departamento de Arquitectura, de la Universidad Simón Bolívar (enero-abril,1999 y septiembre-diciembre 1997). • Las tipologías arquitectónicas y el proyecto arquitectónico, en el pregrado de arquitectura de la Delft University of Technology, Delft, Holanda (abril-mayo 1998) Algunas Obras Construidas y Proyectos Ejecutados • 2022. Plaza de la Rebelión Antimperialista (Monumento al 4 de Febrero), adyacente al Cuartel San Carlos y al lado del Tribunal Supremo de Justicia, parroquia San José, en Caracas. • 2021. Monumento al Bicentenario de la Batalla de Carabobo, Sitio de Patrimonio Histórico Campo de Carabobo, Municipio Libertador, Estado Carabobo. Componentes: Muro Monumental, 2925 m2, Museo Bicentenario Batalla de Carabobo, 850m2, Obras exteriores 750 m2. • 2021.23 Monumentos estadales al Bicentenario de la Batalla de Carabobo, construidos en el Distrito Capital y en 22 capitales de Estado. • 2017. Proyecto expositivo Lo extraordinario, Lo cotidiano Una reflexión crítica sobre la Arquitectura en la Revolución Bolivariana 2001-2013. Propuesta Museográfica para la Bienal de Arquitectura de Venecia, a ser instalada en el Pabellón de Venezuela, Ministerio del Poder Popular para la Cultura IARTES • 2014. Plan de Diseño Urbano Estructurante para el Casco Central de Maracay, Estado Aragua, Alcaldía Municipio Girardot. Algunas Actividades en Libre Ejercicio de la Profesión como Asesor y/o Consultor • Alcaldía Bolivariana Ezequiel Zamora, San Carlos, Edo. Cojedes, asesor del Alcalde Pablo Rodríguez, 2015-2017, para Desarrollo de la Política Urbana Municipal y Plan Urbano Estructurante para la Ciudad de San Carlos • Dirección de Planificación Urbana de la Alcaldía Girardot del Edo. Aragua, 2012-2015. Asesor de la Ing. María Lorena Puche, Directora de Planificación Urbana de la Alcaldía Girador en materia de ordenamiento urbanístico y control urbano. • Construvimos (EPS), Alcaldía de Sotillo, Puerto La Cruz, Estado Anzoátegui, 2017. Asesoría en materia técnica, para el desarrollo y coordinación del proceso administrativo y técnico que llevó a cabo el Concurso Nacional de Ideas para el “Proyecto Escultórico de La Cruz y El Mar. • Fundación Fondo Nacional De Transporte Urbano “Fontur”, 2014-2015. Asesor en materia de Movilidad Urbana para el Área Metropolitana de Maraca. • Ministerio del Poder Popular para la Vivienda y el Hábitat; 08/2015-03/2016, elaboración de los Planes estratégicos del suelo urbano para vivienda (Pesuvi), de las ciudades de San Carlos y Tinaquillo, Edo. Cojedes, y Acarigua-Araure, Edo. Portuguesa. • Oficina Presidencial de Planes y Proyectos Especiales (OPPPE), 03/2012–09-2012, Gestión planificación y ejecución del Proyecto Centro de Convenciones y Parque Ferial de Caracas, Parque Simón Bolívar (La Carlota), Caracas. Reconocimientos y Órdenes • Reconocimiento Honorifico y Mención de Publicación a la tesis La colonialidad del habitar: Premisas para descolonizar el espacio habitable en las ciudades y las arquitecturas venezolanas, para optar al grado de doctor en Artes y Culturas del Sur, otorgados por el Jurado Calificador, en el Programa Nacional de Formación Avanzada en Artes y Culturas del Sur de la Universidad Nacional de las Artes (Unearte), 11/2024. • Reconocimiento del Consejo de Facultad por su “valiosa y destacada labor como Decano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, durante los períodos 1996-1999 y 1999-2002”. Junio, 2002 • Orden al Mérito en el Trabajo, en su Segunda Clase, conferida por el Ministerio de Interior y Justicia. Otorgada en el año 2001. • Orden Universidad Central de Venezuela, conferida por el Consejo Universitario de la Universidad Central de Venezuela, 2005.